Mutter Courage und ihre Kinder (Figurenanalyse)

Figur und Funktion im Drama

Mutter Courage ist die Protagonistin von Bertolt Brechts Drama „Mutter Courage und ihre Kinder“, einem Werk des epischen Theaters. Das Drama erschien 1941 und wurde am 19. April 1941 im Schauspielhaus Zürich uraufgeführt. Die Handlung spielt im Dreißigjährigen Krieg zwischen 1624 und 1636.

Die kleine Händlerin zieht als Marketenderin, also als fahrende Verkäuferin für Soldaten, mit ihrem Wagen durch den Krieg. Sie versucht, am Krieg zu verdienen, und verliert dabei ihre drei Kinder: den älteren Sohn Eilif, den jüngeren Sohn Schweizerkas und die stumme Tochter Kattrin. Ihre Figur ist dialektisch angelegt: Sie vereinigt gegensätzliche Eigenschaften, etwa Fürsorge und Rücksichtslosigkeit, Widerstand gegen Autoritäten und Anpassung an den Krieg.

Brecht gestaltet sie nicht als positive Heldin. Das Publikum soll ihr Handeln kritisch und mit Abstand betrachten. Zugleich kann ihr Verlust Mitgefühl auslösen. Gerade diese Spannung macht die Figur komplex: Sie ist leidende Mutter, aber auch Geschäftsfrau, die sich freiwillig in das Kriegsgeschehen begibt und aus ihm Nutzen ziehen will.

Widersprüche, Mutterrolle und Geschäft

Für Brecht gehört Widersprüchlichkeit zum Aufbau einer Bühnenfigur. Der Schauspieler soll zunächst einen „Typus“ mit passenden Gesten und äußeren Merkmalen entwickeln; untypische Züge machen daraus eine individuelle Person. Bei Mutter Courage verhindern diese Gegensätze eine eindeutige Deutung als nur gute Mutter oder nur skrupellose Händlerin.

Als Mutter schützt und berät sie ihre Kinder. In der ersten Szene zieht sie für Eilif ein Messer gegen den Werber. Sie warnt Kattrin vor den Gefahren durch Männer und verzichtet wegen Kattrin darauf, mit dem Koch nach Utrecht zu gehen. Besonders deutlich wird ihre Trauer, als Kattrin tot ist: Sie singt ihr ein Schlaflied. Die Kriegssituation erscheint dabei als nahezu unausweichlich; im Schlusslied heißt es: „Der Krieg, er dauert hundert Jahre.“

Dem steht ihre Geschäftspraxis gegenüber. Ihr Satz „Der Krieg ist nix als die Geschäfte“ aus der 7. Szene kennzeichnet ihre Haltung. Sie nutzt Notlagen für Handel, verweigert Verwundeten Verbandsmaterial und verhandelt lange, wenn Schweizerkas gerettet werden soll. Auch Kattrins Tod steht damit in Verbindung, dass Courage während der Belagerung von Halle zum Einkauf in die Stadt geht. Frieden erlebt sie nicht als Befreiung, sondern als Gefahr für ihre Existenz als Händlerin.

Die Figur steht damit für die enge Verbindung von Krieg und Geschäft. Sie versorgt Soldaten, übernimmt aber zugleich die Sicht derjenigen, die am Krieg verdienen. Ihr Auftrittslied zeigt den Zynismus dieser Perspektive: Soldaten sollen satt gemacht und dann „in den Höllenschlund“ geführt werden. Nach einer marxistisch geprägten Deutung repräsentiert Courage das Kleinbürgertum und zugleich den Kapitalismus: Sie leidet unter den Mächtigen, beteiligt sich jedoch am System und behandelt Bauern und Soldaten verächtlich.

Rebellion und fehlendes Lernen

Brecht fasst den Kern der Figur in der Aussage „Die Courage lernt nichts“ zusammen. Lernen würde bedeuten, das eigene Verhalten zu ändern. Doch Courage glaubt am Anfang wie am Ende, trotz des Todes aller drei Kinder, weiterhin an Gewinn aus dem Krieg. Sie erkennt zwar das „rein merkantile Wesen des Kriegs“, also dass Krieg vor allem ein Geschäft ist, zieht daraus aber keine Konsequenz.

Ihre Haltung ist zugleich antiautoritär. Sie verspottet Militär, Klerus und die Vorstellung, „große Männer“ bestimmten allein die Geschichte. Als der Feldprediger den Tod des Feldhauptmanns Tilly einen „historischen Augenblick“ nennt, antwortet sie, entscheidend sei für sie Kattrins Verletzung und das Verschwinden ihrer Söhne. Ihre Kritik verweist auf das Leiden der einfachen Menschen, das in der offiziellen Geschichtsschreibung kaum erscheint.

Im „Lied von der großen Kapitulation“ zeigt sie jedoch auch Resignation. Sie erklärt dem jungen Soldaten, dass kurzer Zorn gegen Ungerechtigkeit nichts verändere; nur lang anhaltender Zorn könne Widerstand ermöglichen. Selbst passt sie sich den Mächtigen an. Ihre ironischen und subversiven Reden machen Autoritäten lächerlich, aber sie bleibt Mitläuferin des Krieges.

Diese Verbindung von Rebellion und Anpassung ist zentral: Courage kann Herrschaftsideologien durchschauen, bleibt aber durch ihr Gewinninteresse und ihre soziale Lage an das System gebunden. Kattrins Handeln verweist demgegenüber auf die Möglichkeit eines anderen, solidarischen Verhaltens.

Brechtens Ziel und episches Theater

Brecht formulierte als Hauptaussage einer Aufführung: „Daß die großen Geschäfte, aus denen der Krieg besteht, nicht von den kleinen Leuten gemacht werden. Daß der Krieg, der eine Fortführung der Geschäfte mit anderen Mitteln ist, die menschlichen Tugenden tödlich macht, auch für ihre Besitzer. Daß für die Bekämpfung des Krieges kein Opfer zu groß ist.“

Courage soll diese Einsicht gerade nicht gewinnen; der Zuschauer soll sie gewinnen. Brecht wollte „einen wirklichen Abscheu vor dem Krieg“ erzeugen. Das Stück soll zeigen, dass Kriege vermeidbar werden können, wenn eine „neue, unkriegerische, nicht auf Unterdrückung und Ausbeutung gegründete Gesellschaftsordnung“ entsteht.

Dafür nutzt das epische Theater den Verfremdungseffekt, kurz V-Effekt. Verfremdung bedeutet, dass Bühnengeschehen nicht wie unmittelbare Wirklichkeit erlebt wird, sondern als etwas, das kritisch untersucht werden kann. Die Schauspieler sollen aus innerer Distanz spielen und den Text eher mitteilen als das Publikum in eine Illusion hineinziehen. Brecht ließ bei Proben zum Beispiel Formeln wie „Sagte der Mann“ oder „Sagte die Frau“ an Figurenreden anhängen, Aussagen in die dritte Person oder Vergangenheit übertragen oder Regieanweisungen mitsprechen.

Emotionen sind dabei nicht ausgeschlossen: Courages unablässige Arbeit und ihr Scheitern sollen erschüttern. Dauerhafte Identifikation soll aber verhindert werden. Besonders beim „Lied von der großen Kapitulation“ wäre eine rein einfühlende Darstellung nach Brecht gefährlich, weil sie das Publikum zur Resignation verleiten könnte. Die Umformung des Sprichworts „Der Mensch denkt, Gott lenkt“ zu „Der Mensch denkt: Gott lenkt“ soll eingespielte Denkweisen irritieren und als Ausdruck herrschender Ideologie sichtbar machen.

Aufführungen und Deutungskonflikt

Die Zürcher Uraufführung am 19. April 1941 inszenierte Leopold Lindtberg; Therese Giehse spielte Mutter Courage. Viele Kritiker sahen vor allem die leidende, fürsorgliche Mutter und deuteten das Stück als „Niobe-Tragödie“. Brecht war damit unzufrieden, weil die Härte und die Beteiligung Courages am Kriegsgeschäft zu wenig sichtbar wurden.

Für die Berliner Aufführung, die am 11. Januar 1949 am Deutschen Theater Premiere hatte, veränderte Brecht den Text. Er betonte stärker, dass Eilifs Weggang mit ihren Geschäftsinteressen verbunden ist, dass sie Verbandsstoffe in der 5. Szene nur unter Zwang abgibt und dass sie den Krieg trotz eines Fluchs wieder als Geschäft verteidigt. Helene Weigel spielte die Titelrolle; ihre Darstellung wurde sehr erfolgreich. Das später erstellte „Couragemodell“ dokumentierte die Brecht-Engel-Inszenierung mit Fotos, Regieanweisungen und Kommentaren als Muster für weitere Aufführungen.

Die Deutungen bleiben umstritten. Einige sehen Courage im Sinne Brechts als schuldhafte Mitwirkende am Krieg und Symbol des kapitalistischen Systems. Andere betonen ihre Lage als bedrohte Mutter, ihre Vitalität und ihre begrenzten Handlungsmöglichkeiten. Beide Sichtweisen stützen sich auf Eigenschaften, die Brecht bewusst in einer widersprüchlichen Figur zusammenführt.