Phasing

Grundprinzip und musikalische Bedeutung

Phasing, auch Phase-Shifting genannt, ist in der Minimal Music eine Kompositionstechnik. Zwei Instrumente spielen dieselbe, meist repetitive Stimme beziehungsweise Phrase. Ein Instrument spielt in stetigem Tempo, während sich das andere allmählich in zunehmendem zeitlichem Abstand vor das erste bewegt. Dadurch geraten die Stimmen zunächst „aus der Phase“ und später wieder „in Phase“: Ihre zeitliche Beziehung verändert sich, obwohl beide Stimmen weiterhin als gleich schnell wahrgenommen werden. Es entstehen wechselnde rhythmische und klangliche Höreindrücke.

Die Tempi sind objektiv nicht exakt gleich, aber nur geringfügig verschieden. Deshalb wirken sie für das Gehör zunächst wie ein gemeinsames Tempo. Durch die langsame Verschiebung verändern sich unter anderem Echo, Verdopplung, Rhythmus, Klangfarbe und Obertöne. Eine Reihe dieser Veränderungen ist psychoakustischer Natur, also durch die Wahrnehmung des Hörers bedingt. Das Ohr erkennt dabei Muster und nimmt die einzelnen Töne zunehmend als fortlaufende Gesamtstruktur oder Textur wahr.

Ein Beispiel verwendet 16 Stimmen: Die ersten Stimmen spielen den Rhythmus „halbe Note, Viertelnote, halbe Note, Viertelnote“. Die übrigen Stimmen spielen denselben Rhythmus um 101 % schneller, danach um 102 %, 103 % und so weiter bis 115 %. In Obertönen spielen die ersten acht Stimmen die ersten acht Obertöne; die zweiten acht Stimmen spielen dieselben Obertöne, jedoch eine Oktave tiefer transponiert.

Erzeugung und klangliche Wirkung

Bei der Phasenverschiebung bewegen sich zwei zunächst gleichklingende Instrumentalparts langsam auseinander. Zuerst entsteht ein leichtes Echo, weil ein Instrument geringfügig hinter dem anderen spielt. Danach kann jede Note wie eine Verdopplung zweimal hörbar werden. Anschließend entsteht ein komplexer Klingeleffekt. Durch weitere Verschiebung und schließlich durch Verdopplung, Echo und Unisono kehren die Stimmen wieder in eine gleichphasige Position zurück.

Die Phaseneinstellung ist das rhythmische Gegenstück zum Durchlaufen der Phase zweier Wellenformen. In Live-Aufführungen kann eine kontinuierliche, schrittweise Trennung schwierig sein. Dann wird die Phase teilweise dadurch verschoben, dass in die wiederholte Phrase eines Spielers periodisch eine zusätzliche Note eingefügt oder vorübergehend eine Note entfernt wird.

Der resultierende Klang ähnelt dem Phaseneffekt beim Ausblenden eines Kurzwellen-Senders. Dort führen unterschiedliche Laufzeiten eines Signals durch die Ionosphäre zu charakteristischen zeitlichen Verzögerungen und damit zu einem besonderen Phasenschall.

Entdeckung im Tonbandexperiment

Ein frühes Beispiel elektroakustischer Phasenmusik ist Earle Browns Music for the Stadler Gallery von 1964. Vier Aufnahmen desselben Instrumentalstücks wurden fortlaufend mit vier getrennten Tonbandgeräten abgespielt. Im Lauf der Zeit gerieten die Aufnahmen zunehmend außer Phase.

Steve Reich begann 1965, beeinflusst von Terry Rileys Tape-Loops und Delays, mit Bandschleifen zu experimentieren. Dabei stellte er fest, dass Tonbandschleifen mit exakt demselben musikalischen Material auf zwei verschiedenen Geräten nie vollständig synchron liefen. Wegen kleiner Geschwindigkeitsunterschiede gerieten sie allmählich außer Phase. Die dadurch entstehende zeitliche Verschiebung erzeugte verschiedene Klangfarben, Beats und Obertöne, die teilweise deutlich vom ursprünglichen Material abwichen. Bei Quellen mit einer natürlichen Trittfrequenz veränderte sich der wahrgenommene Rhythmus stufenweise, während das Material in die Phase hinein- und aus ihr herausdriftete. Zusätzliche Spuren und Loops mit identischem Ausgangsmaterial erweiterten die möglichen Phasenbeziehungen.

Reich verband den technischen Prozess mit dem unendlichen Kanon beziehungsweise Ringkanon der mittelalterlichen Musik. Der Unterschied besteht darin, dass Phasing meist mit kurzen Wiederholungsmustern arbeitet und die Imitation nicht fest, sondern variabel ist. Reich erkannte in der allmählichen Phasenverschiebung einen eigenständigen kompositorischen Ansatz, der zur Entstehung der Minimal Music beitrug und sein frühes Schaffen prägte. Zugleich wird angegeben, dass die Technik auch Ursprünge in Henry Cowells New Musical Resources und in Tempo-Untersuchungen von Conlon Nancarrow haben könne.

Übertragung auf Instrumente

Ausgangspunkt war die Tape Music: Mehrere Kopien derselben Bandschleife werden gleichzeitig auf verschiedenen Tonbandgeräten gestartet. Kleine Unterschiede in den Bandgeschwindigkeiten erzeugen mit der Zeit einen „Flanger“-Effekt und eine rhythmische Trennung. Ab 1965 untersuchte Steve Reich die schrittweise Phasenverschiebung auch in komponierter Musik für Instrumente.

Komponierte Phasenmusik besteht aus zwei oder mehr Instrumenten, die eine wiederholte Phrase in einem gleichmäßigen, aber nicht identischen Tempo spielen. Zu Beginn klingen die Parts wie ein Unisono, also wie dieselbe Stimme im selben Tempo. Danach entstehen nacheinander Echo, scheinbare Verdopplung, ein komplexer Klingeleffekt und schließlich eine Rückkehr zur Gleichphasigkeit.

Die Technik wurde damit von einem elektroakustischen Zufallseffekt zu einem planbaren kompositorischen Verfahren. Ihre Wirkung beruht nicht nur auf messbaren Zeitunterschieden, sondern auch darauf, wie das Gehör rhythmische und klangliche Muster ordnet.

Werke und Weiterentwicklung

Steve Reich erprobte die Phasentechnik zunächst für die Filmmusik zu Robert Nelsons Kurzfilm Oh dem Watermelsons. Seine Kompositionen It's Gonna Rain von 1965 und Come Out von 1966 entstanden mittels Phasenverschiebung. 1967 übertrug er das Verfahren in Piano Phase auf live gespielte Instrumentalmusik. Das rund 20-minütige Werk besteht aus Transformationen der ersten sechs Töne der A-Dur-Tonleiter. Auch Drumming von 1970–1971 entstand nach diesem Muster.

In Clapping Music von 1972 erfolgte der Phasenwechsel später eher unmittelbar und schrittweise statt allmählich-graduell. Mit Music for 18 Musicians von 1974–1976 übertrug Reich das Verfahren auf ein größeres Ensemble. Durch mehrere Instrumente entstanden komplexe Gitter aus vielfältigen rhythmischen Strukturen.

Weitere Anwendungen finden sich in John Luther Adams’ Orchesterstück Dream in White on White von 1992, William Ervin Duckworths Klavierstück The Time Curve Preludes von 1977–1978 und in The True Wheel auf Brian Enos Album Taking Tiger Mountain (By Strategy). Wiederholte Phasen mit gleichem Tempo, aber unterschiedlicher metrischer Länge, wie bei Philip Glass und anderen, gelten dagegen nicht als Phasing, sondern können als Polyrhythmik bezeichnet werden.