Schlüsselwerke der klass. Musik - 42 Werke, die die Musikgeschichte verändert haben (1550 - 1940)
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0:10 Nach der Plünderung Roms 1527 wurde Venedig zum musikalischen Zentrum Europas. Der Markusdom wurde zum Anziehungspunkt der musikalischen Elite.
0:21 Aufgrund seiner einzigartigen Architektur, insbesondere der räumlichen Verteilung von Chor Podesten, den sogenannten Korispezati,
0:30 erlaubte der Tom den Komponisten mit Stereoeffekten und Echo zu spielen. Der erste, der diesen Effekt zu Nutze machte, war Adrian Willard, der 35 Jahre
0:41 lang der Kapellmeister des Doms war. Dieser moderne Surround Effekt seiner Psalmen Salm Bezati machte die
1:02 venezianische Mehrhörigkeit in ganz Europa berühmt und inspirierte die Entwicklung zur Klangpracht der Kirchenmusik.
1:10 Willer beeinflußte nicht nur seine berühmten Schüler Gabriele und Deore, sondern auch die Florentinische Kamerater. Selbst Heinrich Schütz
1:20 adaptierte die veneanische Mehrhörigkeit beispielsweise in seinem berühmten Psalmen Davids. Das vierstimmige Material Galumnis
1:30 Ferentes gehört nicht zu den bekanntesten Werken dieser Zeit, doch es hatte es in sich. Hören wir den Beginn von Dirores Material mit einem
1:40 Chromatismus, der selbst unsere Ohren irritiert. Dieses Matteal beeinflusste die Entwicklung der Musik maßgeblich.
2:15 Namentlich Orlando de Lasso und Claudio Monteverde bezogen sich auf dieses Werk und Monteverde nannte dessen düstere Chromatik gar den Ursprung der Sekund
2:25 Pratik, also der affekten getriebenen Musik. Die kunstvolle Polyphonie der Kirchenmusik wurde Mitte des siebzehn.
2:33 Jahrhunderts Zielscheibe der Kritik. Das Trienter Konzil forderte eine Reform der Kirchenmusik in Richtung einer Vereinfachung der musikalischen
2:43 Struktur, da die Polyphonie die Textverständlichkeit in der Liturgie hinderte. Dies hätte für die Kirchenmusik einen
2:51 gewaltigen Rückschrieb bedeutet. Diese Herausforderung inspirierte Paläina sein schönstes Werk zu schreiben, mit dem er der Kirche aufzeigen konnte, dass die
3:01 Würde und Textverständlichkeit mit der zeitgenössischen Kirchenmusik vereinbar sein können.
3:29 Es war so dem Genie Paläinas und seiner Misser Pape Marcelli geschuldet, dass die mehrstimmige Musik für ein weit halbes Jahrhundert als beherrschende
3:38 Kunstform überdauern sollte. Das ausschließlich von Frauen besetzte dreiköpfige Vokalensemble Concerto de Dame in Ferrara erreichte
3:49 europaweite Berühmtheit. Der Begründer des Ensembles und Hauptkopponist der aufgeführten Werke war der Norditaliener Luzasco Luzaski. Die wichtigste
3:59 musikalische Neuerung der Concerto delle Dame war die Vervielfachung der Verzierungen auf den Vokalstimmen. Dazu gehörte Luzaski zu den ersten, die die
4:09 Technik des Generalbasses einsetzten. Die Koloraturen und Harmonien der Stimmen hatten einen ungeheuer Effekt
4:35 auf Zuhörer und Komponisten und beeinflusste namentlich Monteevereis musikalische Entwicklung. Eine weitere weitreichende Veränderung
4:45 war das weiterum Frauenembles entstanden und der Sängeberuf nun auch Frauenoffenstand. Im Jahrzehund begleitete Monteeverdi
4:55 seinen Fürsten an eine Hochzeit in Florenz und wohnte einem musikhistorischen Ereignis bei, der Aufführung von Jacubo Peris er Oper, die
5:04 als Geburtsstunde der Operngeschichte gilt. Nun wollte Monteerdes Würst Mantueser Gonzaga sieben Jahre später für die Hochzeit seiner Schwester auch
5:14 eine Oper. Monteverde schuf mit seinem Orfeo die moderne Oper. Die Handlung wurde dramatischer und er ergänzte die stark rezitativischen geprägte Oper mit
5:25 der Form der streng monodischen Arie, wie er sie bereits in seinen Matalen eingeführt hatte. Die Ausdruckskraft von Monteerdis
5:34 Orfeheo sprengte alles bisher dageese. Hören wir Orpfeus eindringliches Flehen an den Fermann Haron, ihn in die Unterwelt einzulassen.
6:06 1624 vertonte Monteeverde ein Gedicht Tassos aus Jerusalemme Liberata. In Kombattimento die Tankrediorinda schildert Tasso die Szene, wo der
6:18 Kreuzritter Tankredi im Zweikampf einen Sarazenen tötet. Als er den Helm des Widersachers abnimmt, erkennt er zu seinem Entsetzen seine Geliebte. Bevor
6:28 sie stirbt, nimmt sie den christlichen Glauben an. Für die Dramatik der Erregung der Schlacht fehlte der damaligen Musik noch die Sprache. Zu
6:37 diesem Zweck entwickelte Monteverdi den erregten Stil, den Stile Concitato. Fiera pugnaug
6:55 lave in pugna.
7:04 Dieser stile Koncitato bediente sich schnelle Noten, Bizikati und Tremoli, um die schlagenden Hufe der Pferde, den Schlachtenlärm und die Erregung der
7:14 Kämpfenden zu imitieren. Diese unbekannten Techniken erzeugten einen Effekt, der für die damaligen Zuhörer sensationell und neuig war.
7:25 Der deutsche Komponist Froberger war Mitte des 17. Jahrhunderts europaweit bekannt und seine Chimbolo Musik wurde in Manuskripten weit verbreitet.
7:35 Frerger war der erste, der die Abfolge der Sätze der Suite systematisch gruppierte. Seine bevorzugte Senfolge war die
7:44 deutsche Almond, die englische Schik, die französische Courant und zum Schluss die spanische Sarabond. Frerger war ein weitgereister Komponist.
7:54 Unter anderem hatte er vier Jahre in Italien verbracht. Er verband französische Tanzformen, italienische Satzkunst und deutsche Kontrapunktik,
8:03 was die Popularität und die Bedeutung seiner Musik förderte. Den Ursprung hatte die Suite in der Chamber Musik des 17. Jahrhunderts. Die
8:31 Ste war eine der bedeutsten Formen der Barockmusik. Sowohl Händel als auch Bach nutzten die Form in vielen Meisterwerken. Teilweise tauchte sie
8:40 unter anderem Namen wie Partita oder Wassermusik auf. In Frankreich kam Mitte des 17. Jahrhunderts ein junger tanzbegeisterter
8:49 Mann auf den Königsruh. Der spätere Soenkönig Louis XI lernte im Tanzunterricht den gleichaltrigen Lüli kennen. Er ermöglicte Lüli 1672
9:01 eine spezifisch französische Oper zu entwickeln. Das Wichtigste, sie musste anders sein als die italienische Oper. Lüli erschuf nun die sogenannte Tragedie
9:11 Lyrik. Eine aufwendige, spektakuläre Verbindung. der Künste der Musik der Dichtung und insbesondere des Tanzes. Die Musik orientierte sich nahe am
9:21 Ductus der französischen Sprache und verzichtete auf die italienische Vokalakrobatik.
9:52 Atis war zwar nicht die erste Trasche Lirik Lis, aber sie war das einflussreichste Werk und beeinflusste das Musikgeschehen Frankreichs in den
10:01 nächsten 100 Jahren. Zum emblematischsten und berühmtesten Stück wurde die Schlafszene, die zuvor Vorlage aller zukünftigen Traum, Schlaf
10:11 und übersinnlichen Musiken wurde. Das Koncerte Grosso wurde im Barok zur wichtigsten Form der Orchestermusik.
10:42 Im Concherto Grosso steht eine kleine solistisch behandelte Gruppe von Instrumenten einer größeren gegenüber. Arcangelo Corellis 12 Concerti Grossi
10:52 Opus 6 gelten als die erste veröffentlichte Sammlung reifer Kompositionen dieser Gattung.
11:20 Corelli wurde zu einer europäischen Berühmtheit und geographierlich Händel honorierte Corellis Pionierleistung 50 Jahre später, indem er ebenfalls ein
11:29 Opus 6 mit 12 Konzerten schrieb. Imbzehn. Jahrhundert waren renommierte Musiker beliebte Gäste an Palästinnen und Höfen. Sie musizierten oft mit
11:41 lokalen Leihenmusikern. So ergab sich, dass die Berufsmusiker an den ersten Polten die schwierigeren Stellen übernahmen. Daraus entwickelte
11:50 sich das Solokonzert. Giuseppe Torellis Konzertsammlung Opus 6 waren die ersten ihrer Art und waren bereits dreisätzig schnell, langsam
12:00 schnell komponiert und wurden so zur Blaupause für Wivaldes Willinkonzerte und für die nächsten 200 Jahre Instrumentalkonzerte.
12:29 Torelli komponierte virtuose Konzerte für viele herumreisende Künstler. Besonders glanzvoll waren die Trompetenkonzerte, die er für den
12:38 Trompeter Giovanni Pellegrino Brandi schrieb. In der langen Geschichte der Musik für Orgel war die Norddeutsche Orgelschule
13:09 möglicherweise eine der absoluten Höhepunkte der Orgel. Kunst. Die Dichte bedeutende Orgeln in Norddeutschland war außergewöhnlich und die dortigen
13:19 Orgelbauer galten als besonders innovativ. Dierich Buchsde Hute führte die norddeutsche Orgelschule zur Meisterschaft. Die improvisatorischen
13:29 Abschnitte seiner Preludien, der sogenannte Stilus Fantasticus, macht Buxtehude weit über Lübeck hinaus berühmt. Selbst Bach und Händel reißen
13:39 an, um ihn persönlich zu hören. M. Bach blieb vier Monate in Lübeck und meinte später lakonisch, er sei zu
14:12 Lübeck gewesen, um das selbst ein und anderes in seiner Kunst zu begreifen. Alexandro Scarlatti war der wichtigste Vertreter der sogenannten
14:22 neapolitanischen Schule, welche für die italienische Sehnkunst eine überragende Bedeutung hatte. Neapel besaß eine große Anzahl
14:31 Konservatorien mit dem Schwerpunkt der Gesangskunst, aus denen nicht nur berühmte Kastraten wie Farinelli oder Kaafarelli hervorkamen, sondern auch
14:40 bedeutende Komponisten. Scarlatti wurde zur prägenden Figur der neopitanischen Schule und zu einem der wichtigsten Wegbereiter der Rakapoaree,
14:51 welche wiederum der wichtigste Bestandteil der Barockenopera Seria bildete. Die Dakapo Arie ist eine dreiteilige
14:58 Arie, bei der der erste Teil am Ende wiederholt wird und durch den Sänger nach eigenem Gutdünken verziert wird. Mit dieser Vokalakrobatik trieben die
15:09 Kastraten und Primadonnen in späteren Jahren ihr Publikum regelrecht zur Histerie.
15:36 Hendel hatte während seines mehrjährigen Italienhalts Scarlatti persönlich kennengelernt und der italienische Komponist beeinflusste
15:44 Hendels Kompositionsstil maßgeblich. Hendel hatte in Italien bereits erfolgreich Opern geschrieben und so
15:53 wollte Händel als Komponist auch in London mit der Operaserie Fuß fassen. Dort traf er auf das Gespann Aaron Hill und Johann Heidecker. Sie hatten von
16:04 Hendels venezianischen Erfolg gehört und waren begeistert von den Plänen des Deutschen. Hill beauftragte Händel so rasch als möglich, eine Oper zu
16:12 schreiben, denn er plante diese Oper mit noch nie dagewesenem Aufwand zu inszenieren, um sie spektakulär in London zu etablieren.
16:23 Wendel präsentierte Rinaldo mit einem Strauß von Ohrwürmen, die das Publikum zum Rasen brachten.
16:50 Spektakulär underhört war die glänzende Bühnentechnik des Theaters. Armida erscheint auf einem in der Luft schwebenden Wagen, der von zwei
16:59 Feuerspeinen Drachen gezogen wird. He.
17:32 Johann Sebastian Wachs, das wohltemprierte Klavier, hatte auf die spätere musikgeschichtliche Entwicklung einen großen Einfluss. Das Stück
17:41 thematisierte die sogenannte Stimmung des Klaviers. Bis anhin wurden die Tasteninstrumente rein auf die Grundtonart Zeddur gestimmt. Das
17:50 bedeutete, dass Tonarten umso verstimmterer erklangen, je weiter sie von Cedur entfernt waren, sodass die Komponisten diese entfernten Tonarten
18:00 mieden. Bach komponierte nun das wohltemperierte Klavier in einer Stimmung, wie es der Musiktheoretiker Werkmeister 20 Jahre
18:09 zuvor vorgeschlagen hatte, in der alle Tonarten gleichberechtig erklingen konnten. Aus diesem Grund komponierte Bach mit
18:17 dem wohltemperierten Klavier ein Werk, in welchem Stücke für alle Tonarten vorkamen. Jede Tonart wird in einem Präudium vorgestellt. Hören wir der
18:28 Beginn in 10 Moll. Gleich anschließend folgte eine Fuge in derselben Tonart.
19:11 Ob Mozart, Behofen, Schop oder Stockovic, alle haben Johann Sebastian Bachs wohltempiertes Klavier studiert und es gilt als das einflussreichste
19:21 Klavierwerk. In der Musikgeschichte. Rameau gebürt in der Musikgeschichte eine herausgehobene Position als Erneuerer, da er nicht nur bedeutende
19:32 Musikwerke schrieb, sondern mit der Tretomie auch der Verfasser einer bedeutenden musiktoretischen Abhandlung war. Berlios betrachtete ihn sogar als
19:42 den Begründer der modernen Harmonielehre. Rameau führte für uns heute alltägliche Begriffe wie Tonik und Dominante ein und
19:51 schuf so das Fundament für das Verständnis der Tonalität. Seine Erkenntnisse hatten auf seine Musik einen entscheidenden Einfluss, und
20:00 zwar löste er sich vom barocken Konterpunkt und begann sich auf harmonische Entwicklungen zu fokussieren. Er wurde so zu einem
20:09 Wegbereiter der klassischen Periode. Zur Illustration hören wir einen Ausschnitt aus seinen Klavierstücken des zweiten Bandes, die zeitgleich mit der Träte
20:19 erschienen waren. Die Operaserie erstarrte zunehmen in festen Mustern und virtuoser
20:45 Äußerlichkeit. Primadonnen und Kastraten wollten mit Virtuosität das Publikum beeindrucken und verzierten die Werke teilweise bis
20:54 zur Unkenntlichkeit. Drama, Ethik und echte Gefühle waren von der Bühne verschwunden. Der weitgereiste Gluck störte sich an diesen Missstand
21:04 und fand im Liberettisten Kalzav einen kongenialen Mitstreiter im Vorhaben die Operaseria zu reformieren. Ihre Hauptansatzpunkte waren, dass die
21:16 Handlung geradlehniger werden und die Musik wahre Gefühle ausdrücken sollte, statt hohe Affekte und Virtuosität. Der Wiener Orfeo war ihr erstes und
21:28 wichtigstes Reformerk. sei mirus
21:46 se der Einfluss von Glux Reform Opern ist nicht zu unterschätzen. Mozart
21:55 bewunderte seine Opern und selbst Richard Wagner berief sich später auf Klugs Reformideen. Der Mannheimer Kurfürst Karl Theodor
22:04 gehört zu den bedeutendsten adligen Kulturförder der klassischen Musik. Unter seiner Führung wurde sein Hofforchester Mitte des 18. Jahrhunderts
22:13 zum wahrscheinlich führenden Orchester Europas. Der wichtigste musikalische Leiter und Komponist war Johann Stammit. Die wichtigste Neuerung der Mannheimer
22:24 war, daß die Musik nicht mehr von unten vom Generalbass her konzipiert wurde, sondern dass die Oberstimmen, die harmonische Entwicklung bestimmten. Kein
22:34 Wunder, dass Mozart von dem reichen Bläserklang der Mannheimer begeistert war. Die Klang und Ausdrucksmöglichkeiten des Mannheimer
22:42 Orchesters galten damals als unerhört. Der Musikwissenschaftler Riemann analysierte im 19. Jahrhundert den Mannheimer Stil detailliert und benannte
22:52 verschiedene musikalische Effekte, die sogenannten Mannheimer Manieren, die von den Komponistinnen und Musiker der Mannheimerschule entwickelt oder
23:01 verwendet wurden. Der bekannteste ist die sogenannte Mannheimer Rakete. Sie beschreibt eine schnelle aufsteigende Tonfolge mit Cresendo.
23:18 Mozart war ein Bewunderer der Mannheimerschule und verbrachte wiederholt mehrere Monate in Mannheim. hören wir seine Rakete aus seiner Gall
23:26 Syfonie und nun eine Behofenrakete aus einer frühen Klavieronate.
23:45 So entstand in Mannheim der neue Klang eines Symfonieorchesters, der Heiden, Mozart und Behofen zur modernen Syfonie der Wiener Klassik
23:53 inspirierte. Es waren seine Jahre als Hofkomponist auf dem Schloss ist der Hasa, wo Heiden sich seine eigene Klangsprache
24:02 erschaffen konnte. Praktisch im Alleingang perfektionierte er die Form der Symfonie und des Streichquartetts als wichtige Basis für die
24:10 Wienerklassik. Die Streichquartette bildeten sein Versuchslaboratorium und mit seinem Opuszig begründete er
24:18 seinen Ruf als Vater des Streichquartetts. Mozarts Estur Klavierkonzert wird gemeinhin als einer der frühen
24:46 Gipfelpunkte seiner Musik anerkannt. Er schrieb das Werk 21-jährig und fast wie aus dem Nichts erweckt er dieses vernachlässigte Genre zur
24:57 plötzlichen Blüte. Besonders die Tiefgründigkeit des Sanino berührt und steht exemplarisch für den Schritt, den Mozart im Genre des Klavierkonzerts
25:07 gemacht hat. Die Opera Buffer war im Ausgehenden 18. Jahrhundert ein leichtgewichtiges
25:32 Genrevoll Stereotypen, herkommend aus den Geiste der Komedia Delarte. Da Punte und Mozart sahen in der Komödie Chance, das Musiktheater einen entscheidenden
25:44 Schritt weiterzubringen. Da Figaro dieses Versprechen einlösen konnte, waren den sechs grandiosen Rollenportraits und der vollendeten
25:53 Orchestrierung zu verdanken. Hören wir beispielsweise das Zusammenspiel der Oboe mit den Stimmen der Gräfin und Susanna in Gessoave Zepfiretto.
26:24 So gelang es Mozart und der Ponte, die Operabuffer im Alleingang als vollwertige Kunstform zu etablieren. 20 Jahre später sollte Rosini den Faden
26:34 Mozarts wieder aufnehmen und die Blütezeit des italienischen Belcanto einleiten. Nach dem berühmten emotionalen Tiefpunkt
26:43 des Heiligstädter Testaments bedeutete der Beginn mit der Arbeit an seiner dritten Symfonie einen Wendepunkt im Schaffen Beethofens.
26:52 Bei der privaten Uraufführung im Balis des Bürsten Lobkowitz spielte sich eine musikalische Revolution ab. Jeder Mann im Raum erkannte, dass Behofen mit
27:02 diesem Werk in der Musikgeschichte eine neue Tür aufgestoßen hatte. Das Werk beginnt mit den zwei berühmten Fortechlägen, die buchstäblich ein
27:11 Jahrhundert Musikgeschichte hinweg zu fähigen scheinen. Auch der folgende Trauermarsch ist von überwältigender Wirkung. Selbst 60 Jahre
27:42 später konnte Wagner nicht anders als Siegfrieds Trauermarsch in derselben Tonart zu komponieren.
27:52 Die Oper stand am Ende des 18. Jahrhunderts in einer Sackgasse. Die Operia hatte sich totgelaufen, die Kastraten waren aus der Mode gekommen
28:02 und die volkstümliche Opera Buffer hatte nicht die Substanz für eine Weiterentwicklung. Es brauchte das Genie eines Mannes, die
28:11 italienische Oper wie Phönix aus der Asche auferstehen zu lassen. Rosini gelang es auf dem Fundament des Belcanto, die italienische Oper zu
28:20 modernisieren und zusammen mit Tony Zetti und Pini den Belcanto zu seinem goldenen Zeitalter zu führen. Die Oper Litaliana in Alger machte den
28:30 21-jährigen Rosini über Nacht zum führenden Openkponisten Italiens. Ihre Musik war neuartig und hinreisend. Für die weibliche Hauptrolle schuch R
28:41 Frosini den Stimmtypus des Koloraturmzosopans, dem er wenige Jahre später mit der Rosina aus dem Barbiere und der Angelina
28:50 aus der Genedentola weitere Denkmeil schaffen wird. Vag femmina felicità. Tutti la bramano, tutti la chiedono.
29:06 Femmina felicità femmina. Als Robert Schumann in Frankfurt Nicolo Paganini auf der Bühne sah und hörte,
29:26 hielt ihn nichts mehr im ungeliebten Studium. Schumann wollte Klaviervirtuose werden. 500 km westlich empfachte der Teufelsgeiger auch beim jungen List die
29:38 Leidenschaft für das Klavier neu. List wollte nun für das Klavier das erschaffen, was Paganini für die Geige tat.
30:07 Paganinis Caprichi gehören zu den wenigen Werken, die er zu seinen Lebzeiten veröffentlichtee. Schließlich wollte er selbst brillieren
30:15 und nicht die Konkurrenz mit seinen Werken bedienen. Doch Paganini war mehr als ein Mechanikus. Als Schubert ihn in Wien hörte, meinte er, ich konnte Adajo
30:27 einen Engel singen hören. Die Liste der Komponisten, die Paganini beeinflusste, ließe sich mühelos mit vielen weiteren Komponisten wie Berlios
30:37 oder Schopain erweitern. Und so gehört Paganini zu den einflussreichsten Musiker des 19. Jahrhunderts. Webers Freischütz gilt als das
30:48 ikonischste Werk der vielgerühmten deutschen Frühromantik und die Hörnerklänge der Ubertüre wurden zur emblematischsten Musik.
31:17 Viele Komponisten ließen sich von der Poesie und Suggestionskraft seiner Musik inspirieren. Der prominenteste war Richard Wagner, der ihn als den
31:27 deutschesten Allermusiker nannte. Man kann mit Fug und Recht behaupten, daß Schubert das romantische Kunstlied nahezu aus dem Nichts erschaffen hat.
31:38 Nicht zuletzt, weil ihn bereits mit 17 Jahren zwei seiner ersten bedeutenden Meisterwerke im Bereich des Liedes gelangen. Der Erlkönig und Grätchen am
31:48 Spinnrad. In Schuberts Lied wird das Klavier zum ebenbürtigen Partner des Sängers, grandios, wie er im Erlönig die Hufe des Pferdes und das Herzklopfen des
31:58 Sohnes darstellt. Der Sänger singt im Lied drei Rollen. Diejenige des Vaters, des Sohnes und des
32:18 Erlkönigs. Besonders anemberaubend ist der Chromatismus der flehenden Worte des Sohnes, die im Verlaufe des Gedichtes immer dramatischer werden.
32:30 Mein Vater, mein Vater, siehst du nicht Gott König am düsten Ort.
32:43 Die Uraufführung von Beehofens 9.1824 ließ viele Musikexperten ratlos zurück, die ungeheure Dimension des Werkes und der erstmalige Einbezug der menschlichen
32:55 Stimme in eine Symfonie überraschte. Schöne wir
33:15 Dieses Werk sprengte die Grenzen der reinen Instrumentalsynfonik und wurde zum Modell für monumentale Musikwerke wie z.B. von Mendelson,
33:25 Berlios, List, Maler und Pruckter. Beethfens drei letzte Klaviersonaten sind nicht nur ein Gipfelwerk der
33:34 Klaviermusik, sondern wurden auch der Ausgangspunkt zu einer neuen Klaviersprache. Besonders mit der expressiven Arietta
33:43 beschrieb Beehofen den hochromantischen Weg der Subjektivität, der bis zum Transzendentalen führte. Als Konsequenz verließ Betoven in der
33:53 Arietta die herkömmliche Form der Klaviersonate. Berlios Symphony Fantastik steht am Anfang einer wichtigen Wegscheid.
34:26 der syfonischen Musik. Er präsentierte mit seinem Werk gleich zwei entscheidende Neuerungen. Zum einen war nie ein Komponist in einer Syfonie,
34:36 einem außermusikalischen Programm so wörtlich und detailliert gefolgt wie in diesem Werk. Und zum zweiten setzte Berlios an Stelle der üblichen
34:45 thematischen Arbeit die sogenannte Idee Fix ein, einem wiederkehrenden Thema, das sich durch das gesamte Werkmotifisch zieht.
35:18 Aufgrund der zugrunde liegenden Programmatik bezeichnete Berlios seine Syfonie als Dram Musikal und das Werk wurde nun verlässt zur Inspiration auf
35:29 dessen Weg zur Programmusik, der Verschmelzung der Dichtkunst und der Musik. Mit Rosini hatte der Aufstieg der
35:38 Primadonna zur Aoluta seinen Anfang genommen. Rosini, Bellini Donizetti, sie alle schrieben die Arien in die Kehle der Primadonna. Namen wie Isabella
35:49 Kolberam, Julia Griez und Judita Pasta sind untrennbar mit den Werken der drei Großen verbunden. Belinis Arie Gastadiva wurde zum Emblem der Belkantoep Epoche.
36:01 Ein wogender Zwöfachtelakt erlaubter Singstimme. Die Freiheit des Rubato. Die Stimme schwebt über dem Orchester und sie kann der Arie so ihre Prägung geben.
36:36 Belinis Musik hatte eine enorme Wirkung. Schupa hatte Belinis Arien beim Komponieren seiner Nocktüren im Ohr. Werd sprach von der langen Melodie
36:47 Bellinis und selbst war der Bekannte, dass Belinis Belcanto auf sein Werke Einfluß hatte.
36:56 Am 21. November 1831 ereignete sich in Paris ein musikalisches Erbeben, das die musikalische Entwicklung ganz Europas
37:05 beeinflussen sollte. Die Uraufführung von Meiererbärs Rober Diable geriet zur Sensation. Frederich Schupperin wurde Zeuge des Spektakels und schrieb: "Wenn
37:17 jemals Pracht in einem Theater erschien, bezweifle ich, daß sie jemals den Grad der Pracht erreicht hat, wie Robert." Das Theater verwendete das neuartige
37:27 gasbetriebene Rampenlicht und die Balettnummer der Tanz der Nonnen gilt als erstes Ballett, das ganz auf Spitze getanzt wurde.
38:02 Mit dieser akrobatischen Attraktion wurde Rober Diablo zum Wegbereiter des klassischen Balletts. Bereits zwei Jahre später stand die Oper in 40 Städten auf
38:12 dem Spielplan und 1841 hatten fast 2000 Theater das Stück aufgeführt. Als Klin seine Arbeit an Eineben für den Zaren begann, waren Stilleflüsse aus
38:26 Westeuropa in der russischen Musik dominierend. Klin fand mit seinen Opern den Weg zu einer persönlichen russisch geprägten
38:35 Musiksprache. Не прошёл
38:44 с Das mächtige Häuflerin wählt der später Glinkaer zu ihrem musikalischen Ahnvater
39:07 und selbst Jaikowski würdigte die Bedeutung Linkas für sich und die russische Musik. List wurde in der 50er Jahren zu
39:16 Begründer der sympfonischen Dichtung. Die wichtigste Inspiration auf diesem Weg bildete Berlios Symfonie Fantastik. Seinen Weg zur Programmusik begann List
39:27 mit dem Klavier. 20 Jahre vor seiner ersten symphonischen Dichtung schrieb er seine Zwölfüddexekution
39:34 transant. Zu den bekanntesten gehören die Föfole, die Irlichter. bede mit seinem Nabuko die Era des lyrischen Belganto von Rosini, Donizetti
40:07 und Bellini. Werdis Orchester Sound wurde wichtiger und härter und die Hauptrollen verschoben sich. Aus dem lyrischen Tenor
40:16 wurde der Spintotenor und aus dem lyrischen Sopran der dramatische Koloratursopran.
40:43 Die Aussage, dass der Tristan das einflussreichste Werk in der Geschichte der klassischen Musik ist, ist in der Musikwissenschaft unumstritten.
40:52 Was war nun das Revolutionäre an der Musik? Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Wagner die Harmonik von der Melodie gelöst und durch Chromatik ersetzt hat.
41:03 Dies war jedoch kein Selbstzweck, sondern ein Ausdrucksmittel, um die ungestillte Liebe durch endlose chomatische Entwicklungen darzustellen.
41:13 Für diesen Zustand des Schmerzes gibt es nur eine mögliche Erlösung. sterben, vergehen, nie wieder aufwachen. Wagner beginnt nun die Oper mit einem
41:23 Vorspiel, welches durch den Christan Akkord zu großer Musik geschichtlicher Bedeutung kam.
41:51 Es ist ein Akkord mit einer seltsam schwebenden Dissonanz, der weder Schmerz noch Freude ausdrückt, sondern eine Art unbestimmte Suche nach Auflösung.
42:02 Aber die Auflösung kommt nicht, denn mit dem Erreichen des Zieltons ist eine weitere Dissonanz entstanden und so weiter. Während des gesamten Vorspiels
42:11 sucht die Musik nach der Auflösung dieser seltsamen schmerzhaften und ungewissen Dissonanz und findet sie nicht.
42:39 Diese ungestillte Sehnsucht wird den Hör durch die ganze Oper begleiten, denn er muss in der Folge 4er Stunden warten, bis Wagner mit dem Schluss die Auflösung
42:47 der Dissonanz ertönen lässt. Die Wirkung des Werks war gewaltig. Das Werk beeinflusste alle nachfolgenden
43:38 Komponisten. Wie bei kaum einem anderen Genre kann die Stunde null auf ein Werk reduziert werden wie bei der Operette. Die Geburt
43:48 fand im Theater de Buff Parisien in Paris statt und die Operette hieß Oranfer. Zwar baute es auf Vorgängerwerken auf,
43:57 doch die waren alle für kleine Bühnen geschrieben worden. Mit dem Orfous fand Offenbach gleich seine Erfolgsformel. Man nehme die existierende
44:07 gesellschaftliche politische Situation, erstelle daraus eine Groteske und versetze sie zeitlich. Im Orfus beispielsweise in die Antike dazu
44:17 komponiere man zündende Schlager im Orfeus die Mutter aller operierten Schlager den Kongon.
44:41 Richard Wagner komponierte den Parsal in der letzten Phase seines Lebens und er war sich bewusst, dass es sein letztes Werk sein würde. Er kreierte noch einmal
44:50 ein monumentales Werk und nannte es bedeutungsvoll ein Bühnenweihestspiel. Dafür erfand Wagner seine Musik noch einmal neu. Die Oper wurde
45:01 orchesterlastiger und die Verwandlungsmusiken wurden zu großartigen Musikstücken.
45:28 Wagner schöpfte aus dem vollen. Immer wieder überwältigt seine Musik den Zuhörer.
45:55 Zum Schluss steigt eine weiße Taube aus der Kuppel herab und schwebt über Parsials Haupt und der Gral leuchtet wieder.
46:25 Als der Parsifal in Beut auf die Bühne kam, war dessen Wirkung gigantisch. In den Jahren nach Wagners Tod sollte die ganze Kunstwelt Europas nach Beyud
46:35 pilgern, um den Parsefall mit eigenen Augen und Ohren zu erleben. Das Palett der Schwanensee war ein Geniestreich, der wie aus heiterem
46:45 Himmel kam. Aufgrund der mittelmäßigen Choreografie hatte es aber in Moskau nur einen mäßigen Erfolg. Erst die Inszenierung Pötass undikowskis spätere
46:55 Ballette Dornröschen und Nusknacker lösten Jahre später ein goldenes Zeitalter des Paletts aus, das heute als die klassische Periode gilt. Das
47:05 melancholische Schwanenthema zieht sich wie ein Leitmotiv durchs Werk und erlangte eine ikonische Bedeutung für das Palettgenre.
47:36 Mit 27 Jahren errang ein unbekannter italienischer Kapellmeister einer dörflichen Blaskapelle, einer der größten Triumphe der Operngeschichte.
47:46 Pietro Mas begründete mit Kavallerie Rustikana den musikalischen Verismo und wurde zum Beeinflusser einer ganzen Komponistengeneration.
47:55 Die Kavalleria kam aus einem Wettbewerb des Verlegers Sononio hervor und Mascanis Werk wurde der erste Preis zugesprochen. Der Verismusil kombinierte
48:05 realistisches Theater mit roher emotionaler Musik. Um eine größtmögliche Wirkung zu erzielen, wollte die Musik gewalttätige Leidenschaften und
48:15 intensive Gefühle ausdrücken. Zum ikonissten Stück wurde das Intermetzo mit dem süßen Schmerz der langen Kantilänen.
48:57 Die Uraufführung von 1890 in Rom gehörte zu den größten Triumphen der Operngeschichte. Der Jubel wollte nicht enden und das Werk trat rasch seinen
49:07 Siegeszug um die Welt an, den es bis heute beibehalten hat. Claude Debüsi war der Erfinder einer neuen Klangwelt. Die neuen Farben seiner Klänge waren
49:18 unerhört. Seine Musik war wie seine Persönlichkeit. nämlich geboren zum anders sein. Spaß für sein Stück Prel Alemidon
49:28 wählte Debi ein Gedicht, doch die Musik lässt sich nicht mehr symfonische Dichtung oder Programmusik nennen. meinte selbst, es möchte das Gedicht
49:39 kaum zusammenfassen, sondern die verschiedenen Stimmungen andeuten. Und so entsteht die Musik quasi aus dem Nichts. Metrum und Tonalität werden
50:21 verschleiert und es bleibt ein seltsames, noch nie gehörtes Schweben zurück. gewissermaßen ein Fleirren der Mediterranenhitze und der Lüsternheit
50:30 des Fauns. Die verschleierte Meerdeuttigkeit und die exotisch anmutenden Klangfarben hatten einen unerhörten Effekt auf die Musikwelt und
50:39 bedeuteten Beginn des musikalischen Impressionismus. Ein Begriff, den Debüsi selbst ablehnte. Strauß basierte die Oper Salome auf
50:50 Oscar Wildstoff einer sezehnjährigen Jungfrau, die den abgeschlagenen Kopf des Johannes des Täufers küsst. Für diese Ektase schuf Richard Strauß
51:00 eine expressionistische Klangwelt, die damals mit allem bisher Bekannten zu brechen schien. Straußorchester hat mit über 100 Musikern spät romantische
51:10 Größe. Allein die Blechbläsegruppe umfasst 15 Musiker und sie sorgt zusammen mit damals ungewöhnlichen Orchesterinstrumenten
51:19 wie Celesta, Harmonium und Orgel für charakteristische Tonfarben. Und die Rolle der Salome wurde zum Fanal des musikalischen Expressionismus.
51:40 F. Die Wahnsinnsszene von Dontis Luciaia oder auch Werdis Violetta erschien nun
52:02 den Opern besuchen als altmodisch und Strauß etablierte sich als Führer der modernen Avantard. Schönbergs zweites Streichquartett gilt
52:12 gemeinhin als Ausgangspunkt und Schlüsselwerk der Atonalen Musik. Es wird vermutet, dass die außere Affäre seine Frau mit seinem besten Freund ein
52:22 nicht unerheblicher Auslöser für die Extreme des Werks war. Die Hinzufügung einer Sopranstimme in den letzten beiden Sätzen und die
52:31 programmatischen Zahlen Ich fühle Luft von einem anderen Planeten können als Aufbruch in eine neue musikalische Welt verstanden werden.
52:44 Ich fühle von anderen Gang.
53:07 Die Uraufführung des Werks errang Berühmtheit, denn sie artete in eine Prügelei aus und bekam den Übernamen Watschenkonzert.
53:17 Strawinskis Sakre du Pranton veränderte die Musik für immer und Arthur Honecker verglich die Wirkung dieses Werks zurecht mit der der Atombombe.
53:27 Swinski schrieb den Sakre als Auftragswerk für die berühmten Balerüs und des Impressario Dagelev. Bereits sein erstes Werk, der Feuervogel
53:37 hatte das Ballett in ein neues Zeitalter gebracht. Doch mit dem Sakre gelang Strawki der wahre Zeitensprung. Schon das Thema des Baletts, ein ritueller
53:47 Mord an einer jungen Frau, war eine Ungeheuit. Alle Beiträge der Beteiligten, die Choreografie Fokkins, der schockierende
53:56 Tanz Ninskis, die Kostüme und vor allem der noch nie gehörte Klang der Musik Strawinskis katapultierten das Werk in die Moderne. He.
54:31 Die Frenesie des Publikums war gigantisch. Gegner und Anhänger jolten pfiffen und gerieten sich während der Aufführung in die Haare, was sich zum
54:40 größten Theaterskandal der Geschichte ausweitete. Wek ist die wichtigste Oper der atonale Musik des 21. Jahrhunderts und das erste
54:51 Abendfüllende Werk dieser Stilrichtung. Zuvor hatte Schönberg den Einakt der Erwartung geschrieben. Schön hatte es durchkomponiert und
55:01 keinerlei Wiederholung von Motiven zugelassen. Dieser Weg der Extreme wurde nicht aufgegriffen. Bergs Wzeck war für das Musiktheater das einflussreichere
55:11 Werk. Erstaunlicherweise stammen wenige der verwendeten Formen aus dem Musiktheater. Sie entsprangen alles samt der absoluten Musik.
55:22 Berg wollte mit den ungewohnten Formen eine Art Verfremdung schaffen, um dem romantischen Überschwang der herkömmlichen Opernformen einen Riegel
55:31 zu schieben. Sinnbildlich dafür war Bergs Ansatz für die Singstimme. Er hatte eine klare Vorstellung, wie die Sänger zu singen hatten. Keinesfalls
55:41 singen. Langsam Wzigck, langsam eins nach dem anderen. Er machte ganz schwindlich.
55:59 Was soll ich denn mit den 10 Minuten anfangen, die heute so früh? Die Reaktionen des Publikums waren gespalten. Zu erwarten war, dass ein
56:10 Teil des Publikums und der Presse mit Unverständnis reagierte. Die Avantgarde aber war begeistert. Früh wurde die Bedeutung des Werks erkannt
56:20 und bis zum ToteS im Jahre 1935 wurde es über 160 mal gespielt.